あいたむblog

ワインと音楽とアートと写真が好きなあいたむの日常。 たまたま見つけた誰かのために残しておくメモ。

カテゴリ: ミュージアム

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8月31日、ある晴れた日に。
9月からまた改装に入る、埼玉県立近代美術館に行ってきた。

「戦後日本住宅伝説—挑発する家・内省する家」
という企画展は、その題材のユニークさから、Twitterでも評判がかなり良く気になっていた。

また、春にピカソの展示を見に行っていたので、同じ展示室で建築の展示をどのように行うか興味があった。

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最終日ともあって、美術館はかなり混雑していた。やはり、閉館前日だからなのか。
地方の美術館では、土日でも閑散としていることもある中でこの集客は凄い。


さて、改めてこの企画展では『戦後の都市化が急速に進んでいく中で、人間の私的な居場所である住空間に、個々の建築家はそれぞれ内なる眼差しをどのように注ぎ、芸術性をも視野に入れながら、どのような解答を引き出したのか』を掘り下げていく。
昭和の個人住宅を題材にしているということは、多くは一般公開されていない。また、既に解体されており現況確認すら出来ないものもある。
そもそも、作品自体美術館に持って来ることが出来ない。その場に無いものを、どう情報を組み合わせて作品としてリアリティをもたせるか?
その点が非常に興味があった。

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展示は丹下健三の「住居」(1953年)からはじまり、伊東豊雄の「中野本町の家」(1976年)、安藤忠雄の「住吉の長屋」(1976年)まで、全部で16人の建築家、16の住宅を紹介している。

外観を確認できる写真1点、建築模型1点、タイトルとキャプション、解説パネルがそれぞれ展示されていた。
また、非常に特徴的だったのが、幅約3m、高さ約2.5m程度の巨大スクリーンに引き伸ばされた内観の写真である。
これだけ撮影可能だった。
例えば丹下先生の(教わった事は無いけど先生とお呼びしたいよね…呼び捨てできない)『住居』は、縁側の写真だったのだが、目線の高さが丁度実寸に近い形で、そのまま画面の中を歩いて木の質感を素足で楽しみたくなるような気持ちになった。

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また、今回の展示で『これは!』と思ってしまったのは、この写真の東孝光自身の自宅である『塔の家』の展示。
この物件は今も外苑前にほど近い外苑西通り近くにあるので、ぜひ見にいきたいのだが、狭小住宅の先駆けとして伝説の家。
内部は中心に階段があり、空間をうまく分けている。その圧迫感を感じさせない間取りは模型ではなかなか掴めないが、今回の展示では同じ寸法にカットされた間取りが引き伸ばされた状態でシートとして床にひかれており、鑑賞者が実際に寸法を体感することができる。正面に外観の無機質なコンクリート建築の写真を置くことで、その場に来たような気分になった。

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黒川紀章の作品もあった。彼がこの埼玉県立近代美術館の設計を手掛けているのだが、この美術館の正面のグリッド感が高校生のころたまらなく好きで、用もないのによく来ていたことを思い出した。

今回の展示作品は初期の代表作であり、非常にユニークな建築物として有名な『中銀カプセルタワービル』。それぞれを2.3m×3.8m×2.1mの住居カプセルに納め、2本の鉄筋鉄骨コンクリシャフトにボルト接続させている、独立性の高い物件。メタボリズム建築の代表作とされている。
アスベストによる健康被害の懸念など、この物件にかんしては色々といわくがついてしまったが、今でも居住物件として機能している。

最近デイリーポータルZでも取り上げられていたし、ご存知の人も多いと思う。
展示では黒川紀章のインタビューから、実際にシャフトに取り付ける瞬間などのVTRが流されていて、熱心に見ている人が多かった。

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他にも面白い建築作品が展示されていたが、最後の別室に展示された白井晟一の『虚白庵』、伊東豊雄の『中野本町の家』は対照的な作品ではあるが、どちらも閉鎖空間のような内部構造が非常に印象に残った。外観=社会との共存、内観=個人または家族など共同体のルールで構成された独立した世界…ということを強く意識させられた。

鑑賞者は家族連れから建築関係の仕事をしていそうな男性、学生など幅広い世代がきていたが、どの人も熱心に見ていた。

今回、都内の美術館と比べて天井も高くなく、広さもとても広いとはいえない敷地面積で、どうやって展示するのかがとても興味があったけど、行って見たら狭さは全く感じないし、圧迫感もなく、非常に見やすかった。

16作品を1人の建築家ずつ区画をくぎって展示することにより、作品に集中できるし、まるで有名建築家の住宅展示場に来ているようでとても楽しかった。

東京では八王子で開催される予定なので、興味のある方はぜひ。私ももう一度見に行きたいと思います。


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国立新美術館にて開催中の
オルセー美術館展
印象派の誕生 描くことの自由
という企画展に行きました。

オルセー美術館のコレクションは4年前にも来ていたし、去年も行ったしどうしようかな…とおもったのですが、

ある方から、
今回の企画展はストーリー性がつよくてなかなか面白い切り口だった

という感想を聞いたので、勉強も兼ねて行って来ました。

主催が国立新美術館、オルセー美術館、読売新聞社、日本テレビ

ということで、かなり派手な感じでした。

実はここ数日たまたま印象派の書籍を読んでいて、ある程度知識が人並みについてからだったので、企画者の意図したい展示の内容をすこし理解できて、面白かったです。


特にこちらの書籍が、今回の展覧会の内容にかなり近く、参考文献にされてたのではないかとおもってしまいました。

構成はマネの初期作品に始まり、途中活躍したサロン的画家、続いて印象派展に出品した画家の作品群が続き、マネの晩年の作品で終わるという、なかなか面白い構成の展示でした。

特に今回細かく考えられていたのは、
オルセーの中でも日本人に愛されている印象派の求めた技法や描きたかった世界を、平易な言葉で、みやすく、わかりやすく展示する
という部分かなと思いました。
全部で9のテーマに分けていて、かなり細かいのですが、一つの展示室に配置する作品は平均で8点程度と、頭の中がインプットでパンパンにならない程度で次のテーマに移れるので、理解がしやすいと思いました。
また、作品にたいしてスペースがかなり広いので、大混雑ながらも比較的ゆったりと見ることができました。
(みんな大体2分位で次の作品に移るので、すこしまってれば見れます。
当時絶対的権力と唯一の発表の場であったアカデミーに、過去の画家の技法を現代化することで本人の意図に反して反旗を翻していると誤解され、サロンに落選しつつも権威に認められたかったマネと、新しい技法を確立するのに夢中になり、受からないサロンから飛び出して自分たちでグループ展を開こうとしたマネやドガ、ルノワール。
その対比がすんなり入ってきました。

また、出口に最も近い場所にクレマンソーのポートレートの作品があったのも印象的でした。
当時なかなか認められなかった印象派の作品や画家の魅力をいち早く理解した後の首相の画がラスト近くにあるのは意図を感じました

ただ一つ欲を言えば、マネが不遇の時代を過ごす原因となる作品は展示されていなかったのは残念というかもったいなかったです。

可能なら草上の昼食があれば、どうしてマネがあんなに批判されてしまったのか?

どうしてマネがグループ展には一度も参加しないながら印象派のメンバーから慕われ、新しい道を切り開いたのか?ということの理解がしやすかったのでは、と思いました。
(無理なのは充分承知の上での妄想です

普通に印象派がお好きな方ならとても満足される内容かと思います。

来月までなのでお好きな方は是非。

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現在京都市美術館で開催されているバルテュス展へ行ってきました。
夏は時間があまり取れなくて久しぶりに企画展覧会に行きました。

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バルテュス展、東京でやってたけど観れなかったのと、最近話をした人が皆見た、これから見る
というので、せっかく京都にいるんだからと駆け足で見てきました。
国内ではほとんど見かけることの出来ない作品ばかりということです。

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バルテュスのアトリエから始まる展覧会は、彼の死後初の個展ということで、かなり混雑していました。
でも、正直東京の森美術館や国立新美術館の激混雑に比べればまだ余裕がある感じで、少し待てばゆっくり見ることが出来ました。
最近あまり見かけない「←順路」という案内板があったり、絵画作品の前に鉄の囲いがあったりして、制御されているなぁ、という印象がありました。

彼の作品は生涯400点前後しか残されていないということでやや筆の遅い画家だったそうですが、その中で今回150点を展示しているということでかなりボリュームのある展覧会でした。
夫人の節子さんの協力があったことが大きそうです。
また、作品のほとんどが絵画(油絵、版画、水彩画)でしたが、最初にアトリエの再現で見るものをその世界観の中に入りやすくしていたり、作品の雰囲気やテーマにメリハリを付けるために壁紙を紫色に途中で切り替えるなど、大胆な展示をされていました。

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作品の内容としては…
初期の「嵐が丘のための14枚の挿絵」の連作が印象的でした。
激しい感情を帯びたイラストと独特な構図は、見る者に不思議な緊迫感を与えます。

その後描かれた「キャシーの化粧」は、嵐が丘の作品の一つをもちーふとしていますが、男性と女中とローブをはだけさせた女性という、かなり挑発的なな作品。
彼がひとり位置がずれ正面を向いているのは、その女中と女性はその場におらず、彼の空想に過ぎないということを表現しているそうです。


その後の作品が続くにつれ…少女画に傾倒して行きます。


実は裸婦は好きな方です。
デルヴォーのまどろむような瞳に透き通るような柔肌なんて最高だし、
マネのオランピアはパリに行くたびに見に行ってるし、
エゴン・シーレの岡崎京子が描く女性みたいなちょっと生々しいヌードも好きです。

しかしながら、少女の裸婦画というのは同性だからなのかある種の嫌悪感を抱いてしまいました。
耽美と言えば耽美なのだけど、何と無くいけないものを見てしまったような感じ。。
うーんやっぱり芸術的センスが無いわね。
男性からみたらまた感覚が違うのかも。

凄く無粋な感想を書いてしまうと、
こ の 人 ロ リ コ ン ?
と思ってしまった。
いやいや、芸術的に高く評価されている戦後を代表する作家さんです。。。

きっと少女の処女性や純潔と多感な思春期を迎えるであろう性への目覚め的な深い意味が込められて居るんだよと言い聞かせていたものの、
その後のキャプションに、
「生活に苦しむバルテュスは自らの作品価値を高めるために故意に扇動的な裸婦画や少女画を描き物議を醸した云々」
とあって、
「話題作りかよ!!」
と思わず突っ込まざるを得なかったです。
炎上マーケティングっていつの時代にもあったのね、的な。セルフプロデュース大事。
タブーを破ることもある意味芸術活動かもしれないし。


他にも沢山の作品があったのですが、割と前半から大作続きで、結構ボリュームがあり見応えがありました。

ちなみにあまりシュルレアリスムやキュビズムには興味をしめさなかったようですが、実際本人は宗教画から多くの影響を受け、モチーフとして使っていたようです。

戦後コジ・ファン・トゥッテの舞台装置と衣装を担当したということで、展示はありませんでしたが、どんなものだったのか気になりました。


最後は日本の訪れと最後のミューズとなった節子夫人との出会いによる日本的美的感覚を表現に取り入れた作品と、遺品の展示でした。

この前のウォーホル展でも最後にクリアケースの中に思い出の品的なものを詰め込む展示がありましたが、最近このような展示が流行ってるのかしら…?

東京では三菱一号館でも
「バルテュス最後の写真 ―密室の対話」という展示が9/17まで開催されているので、気になる方はぜひ。
こちらはポラロイド写真ということで、彼の描きたかった構図がより鮮明にわかるかもしれませんね。


最後に…ネットで見かけたこの展示
http://www.galleriesnow.net/shows/balthus-the-last-studies/
かっこいいな。

森美術館で開催されていた、Andy Warhol展に行った。

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アンディ・ウォーホル展の概要は公式ホームページと、こちらのまとめが参考になる。
 アンディ・ウォーホル展 永遠の15分
 【日本過去最大】「アンディ・ウォーホル展:永遠の15分」の見どころ!@森美術館

 ウォーホルはイコールアメリカのポップカルチャー(大量消費される大衆文化)というイメージが強い。
元々広告のイラスト等から出発した人なので、1つ1つの作品に対するメッセージ性が強く、
受け手側がどのような印象を持つかということを非常に考えていたような気がしていた。
あとは幼少時に見た映画「バスキア」に登場したDavid Bowie扮するWarholのイメージが結構強くて、ということはどちらかというと本人じゃないんじゃないかという部分がある。

森美術館の企画展は施設の天井の高さとスペースの自由さから生まれる立体的な視覚展示に優れていて、
今回も非常に魅力的な展示をされていた。多少動線が混乱している部分もあったが、あれだけ広い空間でありながら作品をかなり詰め込んでいるというほど、今回は大回顧展という名に相応しい構成だった。

ホームページで紹介されているのはキャッチーな作品数点だが、初期の広告作品やシルクスクリーンに移行する前の貴重な作品や「Factory」の再現というのは非常に実験的で面白かった。
また森美術館の特徴としてタイトルやキャプションを壁にダイレクトに表示するという手法をよく使われているが、今回はWarholのQuoteをいくつか紹介していて、それが作品に対する二次資料的な役割をしていて非常に参考になった。

特に、今回のサブタイトルとなっている永遠の15分とは、
"In the future, everyone will be world-famous for 15 minutes"
という言葉から来ているのだけど、この言葉が有名になりすぎて、晩年はもう「誰でも15分以内に有名になれるよ!」みたいな言葉で皮肉的に使うようになったらしい...
まぁ、今となっては15分どころか、15秒なのかもしれない...それだけ瞬間的なものしか、人に対する関心はわかないのかもしれない。

それ以外にも沢山胸をうつ言葉が踊っていて、とても勉強になった。
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他にも名言が沢山ありました。
http://www.brainyquote.com/quotes/authors/a/andy_warhol.html

色々と最新技術や大衆に響く「表現」の部分を追い求めていた人だったから、現在のwebデザインとか、CG技術とか、Unityとかと対峙していたら、どんな表現をしていたのだろう...とか考えてしまった。
他の画家とかに対してはそんな風に思わないのに。
とおもっていたら、最近になってかつてPCで制作したらしい作品がフロッピーディスクから復元できたらしい。すごい。
“世紀の大発見”フロッピーから「お宝」アート 30年前にウォーホルがPCで描く - MSN産経ニュース 


最近はずっと常設展示ばかり見ていて食傷気味だったので、作品やその人の世界観にどっぷりはまれる個展はいいですね。 
 

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久しぶりに私のホームタウンにある埼玉県立近代美術館に行ってきました。
埼玉県立近代美術館(さいたまけんりつきんだいびじゅつかん)は、埼玉県さいたま市浦和区にある美術館である。北浦和公園の園内にあり、館舎は建築家黒川紀章の設計である。館内では数多くの名作椅子に座ることができ、椅子の美術館としても知られている。(Wikipedia

埼玉県民なら1度くらいは訪れたことがあるかもしれませんが他地域に住んでいる方はなかなか訪れる機会は無いかもしれません。
突然ですが都道府県や国が運営ししている博物館や美術館ってどれくらいあると思いますか?
実は日本には国が管理運営している博物館は1つもありません。
すべて独立行政法人などの外部管理団体が国に委託されて運営されています。
都道府県についても「指定者管理制度」により多くの施設が外注されています。
地方自治法の一部改正で2003年6月13日公布、同年9月2日に施行。
公務員の人員削減や民間主導による開かれた博物館運営を目指すなど、民間事業者のノウハウにより施設の利便性が高まることが期待されていました。現状としては、メリットがある一方で民間業者への評価基準が具体的でないこと、また評価手法が定まっていないこと、行政職員の効用問題が発生していること、リスクや責任の分担に対する明確化など課題もあるという話でした。
その中で、埼玉県立近代美術館については埼玉県が直接管理運営しています。
現在ある都道府県の博物館・美術館は約1243箇所、うち公立として都道府県が運営しているのは57館程度なのだそうです。
(実際HP上に明記されている施設もありますが記載されていない施設もあり、関係者じゃなければそんなことは気にしないですよね…)

埼玉県立近代美術館の特徴としては、主に印象派以降の近代・現代の美術作品を中心に構成された常設展示と、年に2~3回の企画展示を精力的に発表していることです。県立という事で埼玉県民以外の方が訪れる機会は少なそうなのですが、扱う題材がとてもユニークで密度の濃い内容の展示をされることが多く、学生のころから本当によく通っている自分にとって一番なじみの深い美術館です。
また、「椅子の美術館」という別名があるほど、有名デザイナーの椅子のコレクションが多いことも特徴の一つです。
ただ展示作品として飾っているだけでなく、実際に座ることで作品と触れ合うことができる展示については、子供のころは何も感じませんでしたが、他の美術館を巡るうちに、実はけっこう太っ腹な美術館だなぁと思うようになりました。

最近まで改装工事を行っており、先々週久しぶりに訪れました。
確かに東京から北浦和に行くのは少し遠い…。

今回は「ピカソの陶芸 地中海にはぐくまれて」という企画展示を見に行きました。
ちょうど、担当学芸員さんのギャラリートークを見ることができたので参加してきました。

ギャラリートーク参加者は35人程度でした。
企画展示のスペースは中規模だったので、かなりの密集度でした。 
人数の内訳は、大体ですが
小学生 3人
20代 7人
30代 10人
40代 10人
50代~ 5人
一番多い世代が30~40代の女性でしたが、男性も割といる印象でした。
また、途中からでも人が参加しやすい感じでした。

所要時間は30~40分程度でした。

話の内容については、1つ1つの作品についての具体的な解説よりは、作品を通してピカソという人物像を読み解く形で、全体的な内容を俯瞰できるようなサイドストーリーを織り交ぜて紹介されていました。
初心者でも非常にわかりやすい構成になっていました。
参加者は学芸員の話を聞きながら作品を見るのですが、小品の場合人だかりになってしまい手持ち無沙汰風になっている人もいましたた。また最後のあたりまで来ると疲れたのか椅子に座り込む人もいました。
この辺りはすごく難しいところで、参加者の年代を見て話をさくっと切り上げたりする方がいいのかなぁなどと思ったりしました。
一方で、終了後熱心に質問している参加者もいて、 その場に居合わせた人間すべてに対し満足させることを提供するのは難しいだろうなと思いました。
ちなみにこちらの美術館は携帯電話の利用は一切禁止という事でした。
(正直言うと、ここの部分に関しては随分前時代的だと思わざるを得ませんでした)
 
常設展示ですが、こちらは年に4回テーマをもって定期的に入れ替えているという事で、「常設展」という言い方ではなく、「MOMASコレクション」という紹介をしていました。
こちらは改装が終わったばかりで以前来た時よりかなり大胆な手法の展示内容になっていました。
今回行ったときは第1期として4つのテーマに沿った展示をしていました。 
「光と夢にまどろむ」
印象派以降の作品を中心とした「光」の色と美しい睡眠に注力した絵画作品が展示。
特に正面に飾られた漆黒のデルヴォーの作品を中心に沿えた5点の眠る女性の作品展示はかなりセンスが良かったです。
ここの展示手法はほんとにいちいちカッコよくて好きなのです。
「木との対話、新たに」
1979年に西武美術館で展示された中原祐輔の展覧会「art today '79 木との対話」のリメイク。
木材の作品を中心とした前衛的な展示。35年前にこんなアバンギャルドな展覧会を1デパートで行っていたという事に衝撃です。

「四季の彩り―日本画の名作を中心に」
横山大観など日本の四季を鮮やかに描いた日本画。こちらだけ照明をかなり落とした展示になっていました。

「幾何の叙情―泉 茂」 
今回新しく収蔵された泉茂の油絵を中心とする展示は小さい部屋の中に収められ、画廊の展示を思わせました。

今回久しぶりに埼玉県立近代美術館に行きましたがやはりとてもいい美術館だと思いました。
特に常設展示についてはかなり大胆に取捨選択をしていて、本当に見せたいものを効果的に見せる展示をしていました。
常設展はただ所蔵作品を見せる展示が多い中、このような取り組みはかなり実験的だし個人的には支持したいです。

お近くに寄った際はぜひ。
 

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