あいたむblog

ワインと音楽とアートと写真が好きなあいたむの日常。 たまたま見つけた誰かのために残しておくメモ。

カテゴリ: ミュージアム

個人的に今年1番衝撃を受けたと言うととても薄っぺらい印象になってしまうのですが、
面食らってしまった展覧会の1位は旧東京都写真美術館、現TOP Museumの「杉本博司 ロスト・ヒューマン展」です。

杉本博司は1970年代からニューヨークを拠点とし、〈ジオラマ〉〈劇場〉〈海景〉などの大型カメラを用いた精緻な写真表現で国際的に高い評価を得ているアーティストです。
近年は歴史をテーマにした論考に基づく展覧会や、国内外の建築作品を手がけ、空間デザインや寺社仏閣のリノベーションのプロジェクトや舞台とアートの融合に参画されるなど、幅広い分野で活躍されています。
自分の周りに杉本さんファンが多いので、好意的な視点で見てしまいますね。


この展覧会では3部構成の形を取っています。
シリーズ<今日 世界は死んだ もしかすると昨日かもしれない> 3階展示室

「今日 世界は死んだ もしかすると昨日かもしれない」という杉本自身のテキストを携え、文明が終わる33のシナリオ(《理想主義者》《比較宗教学者》《宇宙物理学者》など)と共に、遺物と化した歴史や文明についてのインスタレーションを巡り歩きます。
これは2014年パレ・ド・トーキョー(パリ)で発表し、好評を博した展覧会"Aujourd'hui, le monde est mort [Lost Human Genetic Archive]"を東京ヴァージョンとして新たに制作したものです。
自身の作品や蒐集した古美術、化石、書籍、歴史的資料等を33のシナリオと共に展示しています。
現実にはありえないと一笑してしまうような滑稽な物語を連続して見ているうちに、
固定概念の上に成り立つ文明や認識、現代社会について再考する瞬間があります。

面白いのがこれらのシナリオの文字ですが、33人の異なるアーティスト、芸能人、作家、建築家…などに協力していただいて文字を書いてもらったそうです。

このインパクトが強烈過ぎて、私は写真作品を見にきたのにブラックユーモアの遊園地に来てしまったのか、、、と錯覚してしまうほどでした。

シリーズ<廃墟劇場> 2階展示室 
<廃墟劇場 Abandoned Theater>は、1970年代から制作している<劇場>が発展した新シリーズ。
アメリカ各地の映画鑑賞環境の激変などから廃墟と化した映画館を探し出し、スクリーンを張り直し、作家自ら歴史の終わりを主眼に選んだ映画を投影し、上映一本分の光量で露光した作品。撮影時に上映した映画について、作家自らの解説文が付されています。

8×10大型カメラによる長時間露光。
1回で撮ったのか、何度も撮り直したか…は分かりませんが、そんな発想全く思い浮かばない。
スクリーンに映るのはすべて「真っ白」な空間。
かつて栄華を極めた映画館という娯楽の空間が、現代においては廃墟と化し、いずれ忘れ去られてしまう。
朽ちていく空間と、白く輝くスクリーンのアンバランスさ。
そして、暗室のように暗い展示室にピンライトであてられた照明。
「映像」という技術が世に生まれてから、時を越えていくほどに、インスタントなものに、普遍的なものになり、もはや「箱」が必要なくなる…。

今回の作品展示には「時間」という概念を強調するような作品が多かったです。

シリーズ<仏の海> 2階展示室
京都 蓮華王院本堂(通称、三十三間堂)の千手観音を撮影した<仏の海>の待望の大判作品による新インスタレーションです。
神聖化された寺社仏閣においては基本的に撮影禁止が多いですが、7年かけて撮影交渉をされたそうです。
一面に並べられた観音像の数の力に圧倒されました。
三十三間堂なのかな、と気づくまでに、暫し時間がかかりました。
「廃墟劇場」の裏側に展示されていたのですが、ひんやりとした空気が、より一層作品の持つ静謐さを協調しているようでした。
超平面的な世界の中に見る極楽浄土。
かつてメディアという媒体がない時代に生きていた自分たちの祖先は、仏像や曼荼羅を通じて過去と現在を見据え、死後と言う未来に希望を馳せた…
巡り巡って絵画から写真、映像という技術革新の末に大量消費社会が到来し、それから150年程が経った時代に生きている私たちの時代に起きているデジタル化という事象。
イメージはいくらでも加工し変化を加えることができると生まれながらに知っている世代ではありますが、それでも時の流れは止めることができない。
全ては固有のものではなく過ぎ去るものである。
そんなことを、この展覧会を通して感じました。

杉本さんのインタビューがこちらに載っているので興味のある方はぜひ。。



Robert Frank: Books and Films, 1947-2016 in Tokyo
という展覧会が上野の東京藝術大学大学美術館 陳列館で開催されていました。

写真好きなお友達が皆さん行かれて絶賛されてたので(しかも無料)、The Americansしか知らないのですが、行って来ました。

コンセプトとして、ロバート・フランク自身、美術館やギャラリーに収蔵されている作品群は貸し出しに高い保険料がかけられることから展示の機会が少ない現状を解消することを目的として、学校や美術館など公共性の高い場所を会場として世界50都市を巡回しているそうです。
更に作品は安価な新聞紙にプリントされ、会期終了と共に破棄される、という、作品に対する価値の意味(一方では保険をかけるほど貴重なものとして扱われ、一方ではゴミとして棄てられる、しかし写っているのは同じモノ)を問う、刺激的な試みです。

ゲルハルト・シュタイデルとの共同企画として世界を巡回している本展のうち、東京展は東京藝大の学生達が展示制作や広報を担当したそうで、教育普及という観点からも学びのある展示だと感じました。


土曜日の午後に行きましたがとても盛況でした。会期が短いため、最終日はとても混雑したそうです。
展示は映像作品と新聞紙にプリントされたポラロイドの写真や往年の作品が展示されており、写真表現というものについてとても考えさせられました。

特に 最近見に行ったトーマス・ルフもデジタルによる作品群を展開していますが、メディアに対する境界線をフラットにしているようでとても興奮したのですが、こちらは写真としての美術的価値に対する対抗、挑戦的な意識を感じました。
(同じことを私がやっても全く意味をなさないというところでは、ロバート・フランクの作品、という時点で既に象徴化されている気もしますが。)

・情報伝達はもはやテキストではなくイメージである
・リアリズムと言われる写真にヴィジョンを持たせることで良い写真を作れる

と、キャプションに書かれていたのですが、文字にすると何となく分かるような分からないような、でもそれを実際に表象化していくのはとても困難で、毎回課題を感じるばかりです。

個人的には『London/Wales』の表紙の作品、明確な境界線のイメージに、衝撃を受けました。



労働者とブルジョワ。
持つものと持たざるもの。
報道写真ではないけど非常にシニカルな視点。

最近、境界線についてずっと考えていたのですが、一連の作品群に自分が思っていることが全て集約されているように感じて、とても共鳴しました。



最後に…階段のところで流されていたExile On Main St.が最高に格好良かったです。

今年は写真の大型展が多くとても参考になりました。
作家の意向やイメージを明確に表現する場としての展覧会は、やはりとても面白いと思いました。

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上野の国立西洋美術館。
企画展は行ったことある人も多いかと思いますが、常設展をじっくり鑑賞されたことはありますか?
2016年7月17日、国立西洋美術館を含む「ル・コルビュジエの建築作品-近代建築運動への顕著な貢献-」が、世界遺産一覧表に記載(世界遺産に登録)されることが決定したのを記念して、現在、2016年9月から2017年3月までの間、土曜日の夜間開館時(17:00~20:00)の常設展の観覧料が無料になっています。
常設展示室における土曜日の開館時間延長について(2016年9月3日(土)から) 

土曜日の夜間開館は期間限定です。
国立西洋美術館は370点に及ぶ「松方コレクション」(戦後フランスから返還された松方幸次郎が所有していた作品群)を展示するために設立された美術館で、常設展時の作品はそれらが中心となっています。
現在の収蔵作品は5500点あり、中世〜近現代の西洋美術作品を収蔵しています。
定期的に作品の入れ替えが行われています。
国内でよく開催される印象派の作品も多く収蔵しているので、普通に鑑賞すると1時間半位はかかると思います。

常設展の観覧料はもともと430円と廉価ですが、普段は企画展を観に来られる方はいても常設展までまわる体力はなかったりしませんか。
あと、美術館は夕方に閉館する施設が多いので、夜間開館はとても貴重な機会なので、ぜひ行ってみてください。

 


東京国立近代美術館の「トーマス・ルフ」展に行ってきました。
http://thomasruff.jp/  
会期が終了してから感想を書くというポンコツぶりですが、
2016年を振り返った時に改めて「写真(画像/image)の持つ力」についてと「表現」について試行錯誤していた年だったと感じるので、どうしても書いておこうと思います。

周りの写真を勉強されている方々が絶賛していたのと、
ベッヒャー夫妻に学びタイポロジーの作品制作を開始されていたことと、
私はアンドレアス・グルスキーの世界観が好きなのですが、彼と同じ師に学び、
しかしよりシニカルに現実社会を見つめているような気がしたことと、
写真では撮ることができないインターネット世界という仮想現実上に氾濫するイメージを引用して作品制作を行っている作品群を見てみたかったからです。

今回の展示は制作初期の作品から最新作まで膨大な作品群を一度に見ることができるということで、
多くの方が来館されていました。
特に学生や若年層が多いと感じました。
写真展は若い人の鑑賞者が多い傾向にあるような気がします。
絵画の展覧会だと年齢層がかなり上がるので、毎回興味深いです。

展示数が多いとその作家の世界観の変遷を体系的に見ることができるので、より面白いと感じる一方で、
一度に作家の思想を汲み取る処理をする必要があり、脳がついていかない時があります。
今回のように刺激的な思想の下で制作している人だと特に。
初期の頃のザ・タイポロジー的な表現については、ベッヒャーと同じように極力同一条件下で撮影されていましたが、その当時から匿名性に関する視点がすでにあり、「andere Porträts(http://thomasruff.jp/works/07_andere_portrats/)」という大胆な作品群への兆しがあったことが非常に興味深かったです。

そして「jpeg(http://thomasruff.jp/works/12_jpeg/)」という、インターネット上に溢れる画像を引用して圧縮率をあげ、ガビガビにひきのばした状態で展示するという過激な作品を境に、素材を自身が撮影したもの以外で調達するようになっていきます。
このくだりについてはこちらのインタビューが参考になりました。
インターネットの世界の中で何をどう作り上げていくか、という仕事に携わる自分にとっては、クオリティテストの段階で排除されるべき醜悪なものであり、「作品」として価値があるという風には、紙でのプリントでは認識できませんでした。
しかしながら大きく引き伸ばされた展示作品として目にしてみると、何故かそれが神秘的な力を孕んでいるように思えてきました。
切り取った瞬間の直後に訪れる悲劇は、それまでに幾度となく目にしていたし、脳裏に焼きついているものでした。
敢えてドットが浮き出ているような状態でプリントするなんて…
それも、2004年に制作したなんて。
言葉を失いました。

写真という技術はテクノロジーの発展の上で制作されたもので、今では誰でも手軽に記録を残せるツールとなっています。
そして情報伝達の高速化により、有象無象のイメージがあらゆる瞬間に切り取られ共有されていきます。
彼の作品は下地の画像を極端にデフォルメしたり、コラージュすることで別観点の視点を与えると共に、
今置かれている状況を客観的に見つめ直す作業を鑑賞者に求めているように感じました。

最近よく考えているのが、自分より下の世代たちの中に共通して存在する小さな「共同体思想」についてです。
彼らの価値観の中には、「所有欲」という概念が欠如しているように感じます。
モノはもはや「所有」するものから、「共有」するものへと変化しているように、
無理をしない、必要なものはシェアする、周りの場を読むことが常態化し、一時的な興奮が爆発的に浸透する、、、それまでの価値観とはまるで違う「境界線のようなもの」が、非常に薄い膜の中で、少しずつ生育されているように感じます。
トーマス・ルフの近年の作品からは、まるでそれらの世代の台頭を予言しているかのようなモザイク性と、圧倒的な俯瞰の力によるメディアのあり方を問うような気概を感じました。

東京展の次は金沢21世紀美術館で開催されるそうです。
展示構成も異なるということなので、興味があればぜひ観に行かれることをおすすめします。 

先日表参道ヒルズで開催中の蜷川実花のFASHION EXCLUSIVE展に行きました。


ファッションをテーマにした個展で、「ニナミカワールド」の波が襲ってくるような、圧倒的な色彩のノイズで覆われるような感覚になりました。
眩しさに慣れてくるように、色になじんで来た頃、漸く1つ1つの作品が作品として浮き上がり認識できるようになるという体験がとても新鮮でした。


大きく引き伸ばされた写真が折り曲げた壁全面に貼られていて、屏風のようでした。
天井からも吊り広告のように作品が垂れ下がっていて、中に入ると色の洪水に圧倒されます。
また、「服の世界観をモデルがどう表現するか」
というファッションの表現を最大限に引き出す作品にするために、人物の使い方、目線や仕草に加えて背景セットやライティングや風の演出など細かい調整をものすごくしているということを改めて感じ、とても参考になりました。

「蜷川実花」という言葉は「鮮やかな色彩」「デコラティブな花や金魚のモチーフ」「トレンド性」というある種の共通認識があるように捉える方も多いと思います。
しかしながらその過剰な色彩もひとつの要素のひとつでしかなく、1つの作品のテーマをどう表現するか、という基本に忠実に撮影されている方なんだということを強く感じました。
 
5月8日まで開催されているのでもし東京に来られる場合はぜひおすすめします。
4/23(土)~5/8(日) 蜷川実花写真展「FASHION EXCLUSIVE」

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