東京国立近代美術館の「トーマス・ルフ」展に行ってきました。
http://thomasruff.jp/  
会期が終了してから感想を書くというポンコツぶりですが、
2016年を振り返った時に改めて「写真(画像/image)の持つ力」についてと「表現」について試行錯誤していた年だったと感じるので、どうしても書いておこうと思います。

周りの写真を勉強されている方々が絶賛していたのと、
ベッヒャー夫妻に学びタイポロジーの作品制作を開始されていたことと、
私はアンドレアス・グルスキーの世界観が好きなのですが、彼と同じ師に学び、
しかしよりシニカルに現実社会を見つめているような気がしたことと、
写真では撮ることができないインターネット世界という仮想現実上に氾濫するイメージを引用して作品制作を行っている作品群を見てみたかったからです。

今回の展示は制作初期の作品から最新作まで膨大な作品群を一度に見ることができるということで、
多くの方が来館されていました。
特に学生や若年層が多いと感じました。
写真展は若い人の鑑賞者が多い傾向にあるような気がします。
絵画の展覧会だと年齢層がかなり上がるので、毎回興味深いです。

展示数が多いとその作家の世界観の変遷を体系的に見ることができるので、より面白いと感じる一方で、
一度に作家の思想を汲み取る処理をする必要があり、脳がついていかない時があります。
今回のように刺激的な思想の下で制作している人だと特に。
初期の頃のザ・タイポロジー的な表現については、ベッヒャーと同じように極力同一条件下で撮影されていましたが、その当時から匿名性に関する視点がすでにあり、「andere Porträts(http://thomasruff.jp/works/07_andere_portrats/)」という大胆な作品群への兆しがあったことが非常に興味深かったです。

そして「jpeg(http://thomasruff.jp/works/12_jpeg/)」という、インターネット上に溢れる画像を引用して圧縮率をあげ、ガビガビにひきのばした状態で展示するという過激な作品を境に、素材を自身が撮影したもの以外で調達するようになっていきます。
このくだりについてはこちらのインタビューが参考になりました。
インターネットの世界の中で何をどう作り上げていくか、という仕事に携わる自分にとっては、クオリティテストの段階で排除されるべき醜悪なものであり、「作品」として価値があるという風には、紙でのプリントでは認識できませんでした。
しかしながら大きく引き伸ばされた展示作品として目にしてみると、何故かそれが神秘的な力を孕んでいるように思えてきました。
切り取った瞬間の直後に訪れる悲劇は、それまでに幾度となく目にしていたし、脳裏に焼きついているものでした。
敢えてドットが浮き出ているような状態でプリントするなんて…
それも、2004年に制作したなんて。
言葉を失いました。

写真という技術はテクノロジーの発展の上で制作されたもので、今では誰でも手軽に記録を残せるツールとなっています。
そして情報伝達の高速化により、有象無象のイメージがあらゆる瞬間に切り取られ共有されていきます。
彼の作品は下地の画像を極端にデフォルメしたり、コラージュすることで別観点の視点を与えると共に、
今置かれている状況を客観的に見つめ直す作業を鑑賞者に求めているように感じました。

最近よく考えているのが、自分より下の世代たちの中に共通して存在する小さな「共同体思想」についてです。
彼らの価値観の中には、「所有欲」という概念が欠如しているように感じます。
モノはもはや「所有」するものから、「共有」するものへと変化しているように、
無理をしない、必要なものはシェアする、周りの場を読むことが常態化し、一時的な興奮が爆発的に浸透する、、、それまでの価値観とはまるで違う「境界線のようなもの」が、非常に薄い膜の中で、少しずつ生育されているように感じます。
トーマス・ルフの近年の作品からは、まるでそれらの世代の台頭を予言しているかのようなモザイク性と、圧倒的な俯瞰の力によるメディアのあり方を問うような気概を感じました。

東京展の次は金沢21世紀美術館で開催されるそうです。
展示構成も異なるということなので、興味があればぜひ観に行かれることをおすすめします。